Miriamba ist Tänzerin der Mandinka Traditionen und lebt in Hamburg, Barcelona und der Casamance. Als Angehörige einer kulturellen Minderheit und einer politisch aktiven Familie ist der Katalanin der Kampf um Selbstbestimmung und Anerkennung seit Kindesbeinen vertraut.

Als Anwältin spezialisierte sich Miriam del Barrio im Master auf Einwanderungs- und Arbeitsrecht. Ihr sozial politisches Engagement ist fester Bestandteil ihres Lebens, ob beim Committed Community of Development Trust in Bombay (Indien), beim Europäischen Freiwilligendienst in Marseille (Frankreich) oder als Stipendiatin am Institut für Menschenrechte in Barcelona.

Heute ist sie Aktivistin in der Casamance und setzt sich ein für mehr Selbstbestimmung der ländlichen Bevölkerung und dem Schutz des Naturparadieses in der Casamance. Regelmäßige Tanzreisen zwischen der lokalen Bevölkerung und internationalen Künstler:innen fundieren ihre interkulturellen und sozialpolitischen Aktivitäten. Miriam versteht sich als Brückenbauerin zwischen den Kulturen und konzipiert Tanz Austausch Programme sowie Künstlerresidenzen zwischen verschiedenen afrikanischen und europäischen Ländern.

Miriam, Gründerin und Künstlerische Leitung der Kulturorganisation Afro Alamuta in Barcelona und dem Artistic Center in Casamance (CASA), Senegal ist Assistenz von Stephanie Bangoura und auf dem Weg die Rituelle Tanzpädagogik weltweit als Tänzerin zu vertreten.

Ihr beruflicher Schwerpunkt liegt seit 2021 in ihrer Tätigkeit als Tänzerin.

12 Jahre lernte sie die Mandinka- Tanz und Musik – Traditionen mit dem Meister Paty Momar Thioune.

Die Tänzerin und Perkussionistin entwickelte eine eigene Tanz – Lehr – Methode, die auf der Verkörperung der komplexen Polyrhythmen aus Westafrika basiert: Rhythmologie

Christina Rosa, Fanny Heuten, Vincent Harisdo, Koffi Koko sowie die Tänzer:innen von Foret Sacrée, der traditionellen Performance Gruppe der Casamance waren ihre Lehrer:innen im afrikanischen und zeitgenössischen Tanz.

Miriam, Künstlername Miriamba tritt regelmäßig als Tänzerin auf: Festivals “Casamance au Claire de Lune” in Österreich, in Senegal auf dem Abene Festivalo und dem Festival de cultura Diola. In Spanien bei Luz de Gas, Apolo 2, Festival Esperanzah, Artes de Calle, Festival Més que Ritmes und Festival de Cultures del Món. Mit Gruppen wie Foret Sacrée aus dem Senegal, Kenkeliba und Afro Alamuta aus Barcelona und der Bangoura Group aus Hamburg.

Als Pionierin in Europa in Dunduns Dance choreografiert sie eigene Tanz und Trommelperformances. Seit 2022 befindet sich die Tänzerin in der Ausbildung in Gestalttherapie und in Ritueller Tanzpädagogik mit Live-Musik.

„Ich freue mich, Teil des Teams von Tanz der Kulturen zu sein, fühle mich mit den Zielen und Aktivitäten zutiefst identifiziert. Ich danke dem Universum jeden Tag, dass ich diese Organisation kennenlernen und mich darin entwickeln und wachsen darf mit Stephanie Bangoura als meine Leitung und Lehrerin“.

Die Tänzerin Stephanie Bangoura ist Künstlerische Leitung der Performance SnakeAwake.

Die Choreographin und Ausbilderin der Ritueller Tanzpädagogik lebte über 25 Jahre lang in den afrikanischen Kulturhauptstädten Dakar (Senegal), Salvador (Brasilien), Havanna, Paris und New York, um afrikanische Tanzformen zu studieren und zu performen. Die deutsche afro-Tänzerin gehört zur ersten Generation professioneller europäischer Tänzerinnen, die mit afrikanischen Tanztraditionen und Kolleg:innen auf der Bühne stand. Stephanie tanzte in München mit den afrikanischen Gruppen Tenefoule, Sodia und BananaMama (1993-2006). In Hamburg mit Diamoral und Djante Bi (2013-2020). In Paris (Frankreich) und Dakar (Senegal) mit der senegalesischen Performancegruppe Bougarabou (1995-2006). In New York mit dem Choreographen und Tanzlehrer von Alvin Alley, Maguette Camara (1999-2000). Mit dem Choreographen Julio Jean (1999-2000) in New York. Während ihres Masterstudienganges der Tanz- und Theaterwissenschaften an der staatlichen Universität von Salvador in Brasilien fundierte die Tänzerin wissenschaftlich den animistisch-humanistischen Ansatz ihrer späteren Rituellen Tanzpädagogik. Als Capoeirista diente ihr die afro-brasilianische Resistenzbewegung Capoeira als Vorbild, wie afrikanische Tanzsprachen in einen zeitgenössischen Kontext sinnhaft übersetzt werden können.

Damit diese Übersetzung gelingt, galt es die energetischen Wirkweisen von Tanzritualen zu durchdringen. Ausbildungen in Yoga, Qi-Gong, Pilates, Gyrokinesis, TaKeTiNa, Rhythmik, Psychomotorik, Musiktherapie, Rhythmik, Stimmbildung und vor allem der Gestalt – und Tanztherapie führten zum tieferen Verständnis wie Tanzrituale auf den Körper und den Menschen wirken.

In dem performativen Ansatz der Rituelle Tanzpädagogik vereinigt sich die Essenz ihrer gesamten Forschung und Lehre, welche sie als Autorin in dem Lehrbuch: „Rituelle Tanzpädagogik – die Kunst, Gemeinschaft zu tanzen“ zusammengefasst hat. 

Als zwischen den Welten lebende, freiheitsliebende Tänzerin fühlt sie sich dem spirituellen philosophischen Universum von Luisa Francia und Susanne Wenger verbunden.

„Im Ritual zu tanzen, bedeutet für mich meinen Körper zu befreien, zu stärken und mich an größere Energiekreisläufe anzuschließen.“

Rodolpho Sagbo, gebürtig aus Benin, begann seine Tanzodyssee im lebendigen Bereich von Theater- und Tanzgruppen an seiner Schule. Nach seinem Abschluss im Jahr 2012 vertiefte er seine Leidenschaft, indem er der Kulturellen und Künstlerischen Vereinigung der Studenten (UCAE) beitrat, wo er seine Fähigkeiten im modernen und traditionellen Tanz sowie Schauspielerei verfeinerte. Auf der Suche nach Exzellenz absolvierte Rodolpho eine Fortbildung am CK Formation Institute und wurde Teil der renommierten Tanzgruppe Soldats Bénis, die in verschiedenen Wettbewerben erfolgreich war. Um seinen künstlerischen Horizont zu erweitern, absolvierte er 2014 ein Praktikum beim Choreografen Salia Sanou während des MAIDA Festivals und erhielt Mentorship vom beninischen Choreografen Richard Adossou.

Seitdem hat Rodolpho mit angesehenen Choreografen aus der ganzen Welt zusammengearbeitet, um sein Repertoire und seine Erfahrungen zu bereichern. Er ist ein wichtiges Mitglied der Cie Arts Ca’Danser von Carmelita Siwa und ein Performer in der fesselnden Produktion “Gbé Miton”. Darüber hinaus begeistert er das Publikum als Performer in “VONVONLI” von Kossivi Affiadegnigban mit der angesehenen Company Sol’œil d’Afrik.

Abseits der Bühne hat sich Rodolpho auch in der künstlerischen Schöpfung versucht und während des Connexion 2021 Festivals sein eigenes Solo-Stück mit dem Titel “AKÔ” entwickelt. Im Jahr 2021 wurden seine Hingabe und sein Talent anerkannt, als er erfolgreich für das Eurasia Network Project unter der künstlerischen Leitung von Stefano Fardelli vorsprach. Als Eurasia-Student ausgewählt, begab er sich auf eine transformative Reise nach Deutschland, wo er leidenschaftlich seinen Traum verfolgt, ein internationaler zeitgenössischer Tänzer zu werden. Rodolphos künstlerische Reise verkörpert Hingabe, Talent und eine unerschütterliche Verpflichtung zur Welt des Tanzes.

“Wir können Tanz nicht von Spiritualität trennen, weil wir als Tänzer unterschiedliche Charakter und Persönlichkeiten annehmen, um verschiedene Botschaften zu übermitteln und wie in einem Ritual arbeiten wir mit Wiederholungen.”

Yeshihareg Comas Berga, geboren 1998 in Äthiopien und aufgewachsen in Spanien, entdeckte ihre Leidenschaft für den Tanz bereits in jungen Jahren. Fasziniert von verschiedenen Kunstformen fand sie durch den Tanz Trost und Selbstausdruck, wodurch sie eine tiefe Verbindung zu sich selbst und anderen herstellen konnte. Ausgebildet im zeitgenössischen Tanz am Professional Conservatory of Contemporary Dance, ist Yeshiharegs Weg geprägt von einer Fusion äthiopischer Traditionen und katalanischer Einflüsse, was zu einem einzigartigen und fesselnden Stil führt.

Yeshihareg hat an einer Vielzahl von Projekten und Aufführungen teilgenommen, darunter Zusammenarbeiten mit Künstler:innen aus aller Welt in “Art Exchange” und Aufführungen wie “The Boat” im Teatre Lliure, die Themen der Kolonialisierung erforschen. Darüber hinaus war sie an Initiativen wie “African Moment” und “Shurruba” beteiligt, die darauf abzielen, den afrikanischen Tanz und die Kultur in Europa zu fördern.

Über ihre Auftritte hinaus engagiert sich Yeshihareg als Lehrerin an Salavibes und The Rootz Bcn dafür, ihre Leidenschaft für den Tanz zu teilen und die nächste Generation von Tänzern zu fördern. Ihre Reise im Tanz wird von dem Wunsch angetrieben, zu verbinden, zu inspirieren und zu kreieren, mit dem Ziel, Choreografin zu werden, um ihre künstlerische Vision und Stimme weiter auszudrücken.

“Ritual und Spiritualität im Tanz bedeuten eine tiefe Verbundenheit mit Tradition, Gemeinschaft und dem Göttlichen, die es dem Einzelnen ermöglicht, seine innersten Emotionen auszudrücken und durch Bewegung den physischen Bereich zu überwinden.”

Barbara Carvalho ist Schauspielerin, Performerin, Dozentin für Theater und Tanz. Seit 2010 arbeitet sie in Frankfurt/Main und ist Teil des Kollektivs antagon TheaterAKTion. Zuvor hat sie an der Föderalen Universität von Bahia in Brasilien ein Theaterpädagogikstudium absolviert, seit 2018 studiert sie im M.A. Choreographie und Performance an dem Institut für angewandte Theaterwissenschaften in Gießen.

Sie entwickelt pädagogische und künstlerische Projekte mit afro/brasilianischem und zeitgenössischem Tanz, Performance, Stelzen und physischem Theater, meist im öffentlichen Raum in Zusammenarbeit mit Protagon e.V - Freunde und Förderer freier Theateraktion. Dabei arbeitet sie auf der Basis von Körpertheater, Feministischem Theater der Unterdrückten (nach Barbara Santos und Augusto Boal), und der Herstellung und der Verwendung von Theatermasken, Körperbewusstsein und Körpererziehung. Als Dozentin war sie an der Frankfurt University of Applied Sciences und an der Hochschule Heidelberg tätig.

Seit  zehn Jahren ist sie zudem Koordinatorin des soziokulturellen brasilianisch-deutschen Austauschprojektes „Escuna Criativa“ und ist Kuratorin des künstlerischen Programmteams von Sommerwerft - Internationales Theater Festival am Fluss. Seit vier Jahren leitet sie das Internationale Frauen*Theater-Festival in Frankfurt/M.

Als Theatermacherin arbeitet Bárbara Luci Carvalho an einer nachhaltigen Vernetzung feministischer Projekte in Frankfurt, der Region Rhein Main, Deutschland sowie international und setzt mit den künstlerischen Weiterbildungsangeboten Impulse.

Die Leiterin des Straßentheaters „Antagon theaterAKTion“, „Protagon“ und Begründerin des Internationale Frauen Theater Festival in Frankfurt 

vertieft ihre dekolonialen Studien des afrodeszendenten weiblichen Körpers mittels ihrer choreographischen Umsetzung und macht diese in

ihren selbst konzipierten Aufführungen der Öffentlichkeit zugänglich. Fliessende Bewegungen zwischen Tanz und Theater lassen zu, dass auf ästhetische Weise 

zeitgenössische Theaterproduktionen und Performances mit kollektivem Anspruch repräsentieren. 

Die Zusammenarbeit mit dem Verein Tanz der Kulturen e.V. stellt eine selbstverständliche und ebenso

sinnführende Ergänzung der Denkrichtungen und Ansätze von Bárbara Luci Carvalho dar Frauen auf internationaler und interkultureller Ebene zu unterstützen.

Sängerin, Songwriterin, Dichterin, Produzentin, bildende Künstlerin und Multi-Instrumentalistin, die sich der Schaffung von Kunst verschrieben hat.

Ihre Kunst spiegelt die vielen Probleme und Stärken der Menschen in marginalisierten Gemeinschaften in Nigeria wider. 

Temmie glaubt, dass es notwendig ist, dass Frauen, Queer und/oder andersartige Menschen Raum einnehmen, und diese Denkweise steht im Vordergrund bei allem, was sie kreiert.

Temmie Ovwasa veröffentlichte Nigerias erstes queeres Album mit der entsprechenden Deklaration.

Mit Stephanie Bangoura, der Rituellen Tanzpädagogik und SnakeAwake arbeitet Temmie auf verschiedenen Ebenen eng zusammen.

“Stephanie’s work connects me with parts of my Yoruba roots that I’m learning to validate on a scale that’s deeper than geographical location.”

gebürtig aus der Stadt SYA Burkina FASO. Die Musik

kam durch meinen Vater zu mir. Er war Künstler und Musiker, Jäger und

tradipraktiker zur gleichen Zeit. Seit ich mit ihm zusammen bin, habe ich nie eine

Nacht in seiner Abwesenheit verbracht. Ich war überall mit ihm unterwegs; auf seinen Konzerten und Reisen,

etc. Er hatte seine Band, die Limania Stars hieß. Das brachte mich schon als Kind zu

Musik. Vom Erlernen des NGONI über

CLOCHE mit meinem Vater. Mir war aufgefallen, dass jedes Mal, wenn er

auf ein Konzert ging, fünf Minuten bevor er auf die Bühne ging, die Musiker

verschwanden, und ich war erst sieben Jahre alt, als ich ihm vorschlug, ihn auf

der Bühne zu begleiten und die Instrumente zu bedienen, bis er Vertrauen zu mir fasste. Von da an

ich in die Musik ein. Halbfinalistin des Wettbewerbs FASO

ACADEMY. Ich habe meine Solokarriere 2008 begonnen und genieße die Unterstützung von

meinem Team, mit dem ich sehr gut zusammenarbeite. Ich habe zwei Alben auf

meinem Konto, nämlich MOUGNOU, was Geduld bedeutet, und KOMANAGNA, die

Dinge werden sich ändern. Derzeit befinde ich mich im Studio, und ich habe nicht vor, mich auf diesem guten

Weg aufzuhalten.

Mit einer unvergleichlichen Bewässerung beherrsche ich die NGONI und kann mit meiner bezaubernden Stimme

Wunder vollbringen. Ich bin eine Löwin der modernen Musik

mit traditioneller Inspiration. Von der CLOCHE zu Beginn knüpfte ich eine starke Verbindung mit

dem NGONI, von dem ich mich nicht mehr trennte, was übrigens meine Besonderheit ist. Ich

hinterlasse mit meiner Bühnenbeherrschung einen bleibenden Eindruck; ich bin derzeit die

beste weibliche Künstlerin Burkina Fasos in LIVE-PRESTATION.

FESTIVAL WOKA KUMA in DEUTSCHLAND 2024

Eine Bescheinigung der Anerkennung

In Burkina Faso, der Elfenbeinküste, Deutschland, MALI, Senegal,

Guinea war das Jahr 2023 für mich keine Ruhepause, wie alle

anderen früheren und laufenden Jahre, der Beweis für eine aufsteigende Karriere. Ich bin die

einzige weibliche Künstlerin, die das Instrument NGONI in Burkina FASO spielt.

FESPACO 2023 FESTIVAL KIENFANGUE

Beim Abschluss des FESPACO 2023 gehörte ich zu den Künstlern, die

die Festivalbesucher in Staunen versetzten. Mit den Worten schreibt meinen Namen in die Geschichte und meine Musik ist

Träger einer Botschaft vor allem des Friedens.

Die Musikethnologin und Jazz-Sängerin absolvierte ihren Master an der Hochschule für Musik Theater und Medien Hannover. Ihre Studienschwerpunkte Kulturmanagement, Musikpädagogik, Weltmusik und Copyrights fundieren ihre künstlerischen, pädagogischen und organisatorischen Fähigkeiten. Als Kulturvermittlerin und Managerin sammelte sie drei Jahre Berufserfahrung bei Musikland Niedersachsen gGmbH und Virginia Records GmbH.

Ob als Sängerin auf der Bühne oder als Pädagogin im Workshop: Die bulgarische Sängerin vermittelt mit viel Jazz zwischen den Kulturen und Genres. Auch mit elektronischen Musikexperimenten bereichert sie verschiedene kulturelle Veranstaltungen. Transkulturelle Stimmimprovisationen laden ein zum Mitmachen, Genießen und Aufhorchen und bilden Markovas Kerninteresse. „Die Verbindung von Tanz, Theater, Therapie und Live-Musik ermöglichen eine zeitgemäße und gleichzeitig innovative Annäherung an unsere omnipräsente multikulturelle Realität, die mehr menschliche Beziehungsfähigkeit von uns fordert.“

Nicholas Morales ist ein Cellist aus Kalifornien und Musik liegt ihm im Blut. Im Jahr 2020 zog er nach Hamburg und studierte Instrumentalpädagogik am Menschmusik Institut in Hamburg mit dem Traum, Orchestermusiker und Cellolehrer zu werden. Er begann im Alter von neun Jahren zu spielen und lernte im Laufe der Jahre unter der Leitung von Glen Campbell, Sven Forsberg und Benedikt Loos. In seiner Jugend ließ er sich schon früh von Yo Yo ma, Anastasia Kobakina und Aufnahmen von Pablo Casals inspirieren. Derzeit ist er Mitglied des Landesjugendorchesters Hamburg und hat an Orchesterprojekten wie Connect 2019 und Jungwaldorf Philharmonie in 2022 teilgenommen.

Sein Interesse an der Musik erstreckt sich auch auf andere Genres jenseits der klassischen Musikbühne. Er kam mit Jazz, Metal, zeitgenössischer lateinamerikanischer Musik und Folk in Berührung. Kurz nach seiner Ankunft in Hamburg begann er mit der Singer-Songwriterin Soleika zusammenzuarbeiten und gründete ein Trio mit dem Instrumentalisten Daniel Bornmann. Sein Gespür für Musik als Mittel zum Erzählen von Geschichten führte ihn ans Thalia Theater zum Kollektiv 'All Das', wo er zusammen mit dem Pianisten Thomas Yang de Pfeifer in den Stücken Ziegenkäse in Streichholzschachtel und eine Brise Flucht in Pistazienschalen spielte und komponierte.

Es macht ihm Spaß, andere Menschen zu treffen und etwas über ihre Träume zu erfahren. Wie ein Magnet erkennt Nicholas Gleichgesinnte, die in der Kunst den Weg zu neuen Möglichkeiten sehen. So entstand die Tahini Band, eine Jazz-Arabic-Fusion-Gruppe, die weiterhin positive Kritiken erhält. Zu dieser Gruppe gehören der Oud-Spieler Hicham Elmadkouri aus Marokko, der Pianist Thomas Yang de Pfeifer und der Schlagzeuger Josua Morales. Sie spielen bei jedem Auftritt Originalmusik und versuchen, sich dem Thema und der Stimmung des Publikums anzupassen.

Die Begegnung mit afrikanischer Weltmusik begann, als er sich Tanz der Kulturen anschloss und mit Massa Dembele zusammenarbeitete. Dabei handelt es sich um eine Zusammenarbeit von Musikern aus Hamburg und eingeladenen Gästen unter der Leitung von Oded Kafri. Dieses Projekt hat unglaubliche Talente zusammengebracht, die Shows erarbeiten und aufführen, die Sprach- und Kulturbarrieren auflösen. Das ist die Kraft der Kunst und Tanz der Kulturen ermöglicht es den Teilnehmern und dem Publikum, diese Erfahrung zu teilen.

Seine derzeitige Reise hat ihn weit vom sonnigen Kalifornien entfernt, wo er an Wochenenden als Straßenverkäufer auf dem örtlichen Markt auftrat. Heute findet er Zuflucht bei Künstlern wie Vieux Farka Touré, Kruangbin und Toumani Diabate. Wenn Sie zufällig unter seinem Wohnungsfenster vorbeigehen, werden Sie auch die Klänge von Balafon, Kora und Dundun hören.

Nicolás (er/deren) ist ein chilenischer Künstler, der in einer Kleinstadt geboren wurde und im Alter von 17 Jahren einer professionellen Firma beitrat. Nach ein paar Jahren entschloss er sich, nach Santiago zu ziehen und studierte am Centro de Danza Espiral im Tanz-Bachelor-Studiengang. Gleichzeitig absolvierte er sein Studium als Yoga- und Pilates-LehrerIn in Chile und im Ausland. Er zog nach Deutschland und absolvierte das Programm der Contemporary Dance School Hamburg. Derzeit arbeitet er in der freien Szene als Tänzer und Performer mit internationalen und lokalen Choreograph:innen und künstlerischen Direktor:innen. Außerdem gestaltet er Räume in Hamburg und Berlin, um Tanz und Körper-Somatik Wellness zu vermitteln und zu lehren. Seine Choreografien und Kreationen macht er einem vielfältigen Publikum zugänglich, da vor allem an Orten rund um die Clubkultur-Szene, Sommerfestivals und die Ausstellungsgalerie Hinterconti eV. sich präsentiert.

“Ritual und Spiritualität im Tanz sind eine Quelle der Verbindung mit den einfachen und tiefen Lebensweisen: Abstammung, Rhythmus, Boden und Kosmos, menschlicher Körper und Menschlichkeit in seinen verschiedenen Schichten. Ein tieferes und höheres Verständnis von Zusammengehörigkeit innerhalb der Kraft von Musik, Bewegung und Heilung zu erfahren.”

Die Sängerin Steffani Seven ist in Jamaica geboren und absolvierte ihr neunjähriges Studium am Edna Manley College of the Visual and Performing Arts in Kingston Jamaica mit dem Bachelor of Fine Arts Degree in Jewellery Design and a Diploma in Dance Theatre and Production.

Seit 2013 singt Seven in verschiedenen Rollen im Musical König der Löwen in Hamburg. Die Sängerin praktiziert Kunst als Autorin, Malerin, Schauspielerin, Schmuckdesignerin und Komponistin. Dabei lässt sie sich besonders von ihrer Verbindung mit der Natur inspirieren und empfindet eine Verantwortung und Dringlichkeit den Planeten mit Magie und Kunst zu heilen.

Multi-Instrumentalist, Griot, Komponist, Musiklehrer, Gründer des Kulturvereins Faso Lili in Frankreich und in Burkina Faso.

Der Musiker wurde als Kind schon in Schlagzeug, Djembe, Balafon, N’Goni, Kora und Flöte ausgebildet. Die Familie Diarra ist weltweit bekannt für ihre außergewöhnliche Kompetenz in afrikanischen Musiktraditionen. Samba tourte international mit den Diarra Brothers, Djenkadi, Djiguiba, Sékou Trio, Karasilaka, Joseph Aka Company, Kaophonic Tribu und Kady Diarra.

Der tief mit seiner Tradition verwurzelte Musiker spielte unter anderem in Nuits du Faso, Sziget Festival, Lafibala Festival, Pass’port Festival, Afrik Afrika, ears en pointe Festival, Sam Africa, BatO Jazz, Robion Festival, les Embruns und Festi Masque en Fête.

“Ich bin Griot. Meine Verantwortung ist es, meine Tradition lebendig werden zu lassen und in verschiedene Häuser zu tragen. Stephanie gibt mir die Möglichkeit dazu. Ich habe in dieser Arbeit mit dem Ritual meine Vorfahren geehrt. Das ist wichtig für mich.”

Nous organisons principalement des cours de percussions, pour enfants et pour adultes (djembé, doun doun et sangbang). 

Background de Bangaly: d'ethnie Soussou, Bangaly est né à Conakry, dans le quartier d'artistes de Matam, dans une famille de 18 enfants dont environ la moitié sont musiciens ou danseurs. Il a débuté le djembé à l'âge de 4 ans et a accompagné de nombreux ballets, avant de rejoindre les célèbres Ballets Africains en 2000 en tant que premier soliste. En Guinée, il était le percussionniste du célèbre chanteur Koundouwaka (Abraham Sonti) et a accompagné de nombreuses fois les célèbres Azaya et Salif Keita. 

Influences: Mamadi Keita, Famoudou Konaté, Soungalo Coulibaly

Instruments pratiqués: djembé, doun doun, goni, sangbang

Travail en France:

- Percussioniste sur le spectacle "Le Roi Lion" à Eurodisney (il débute actuellement sa 6ème saison)

- Accompagne les cours de danse d'Aïssata Kouyaté, Mohamed Kouyaté, Valentine Kirzbaum, Mohamed Dabo

- Cours de percussions pour enfants et adultes

- Fait partie d'un groupe de musique associant tradition et moderne (djembé, batterie, balafon, piano, violon): "Nakamah Groove"

Das wirbelnde Balafon-Spiel von Aly Keïta ist spektakulär. Die Schlägel in seinen Händen scheinen über die Klangstäbe zu tanzen. Der aus einer Griot-Musikerfamilie der Malinké stammende Aly Keïta baut und spielt schon seit der Kindheit seine eigenen Instrumente und hat es heute an die Seite der Besten geschafft: Omar Sosa, Joe Zawinul, Rhoda Scott, Paco Séry, Karim Ziad, Trilok Gurtu, & Jan Garbarek, Pharoah Sanders, Paolo Fresu, Etienne M’Bappé, Linley Marthe, Matthew Garrison, Dr L.Subramaniam, Rokia Traoré, Cheick Tidiane Seck uva.

Musikerkollegen wie Talib Kibwe, Philippe Sellam/Gilles Renne, Paco Séry, Adepo Yapo, Camel Zekri, Rhoda Scott, Masahiro Sayama, Jean-Philippe Rykiel, Majid Bekkas, Joe Zawinul, Hans Lüdemann, Christian Thomé, El Hadj N’Diaye, Hannes Kies, Benedikt Stehle, Arcadius spielten mit dem Aussnahmemusiker, dessen musikalische Entwicklung von Zouratié Coulibaly, Maiga Bogana und Paul Wassaba geprägt wurde.

Dank der internationalen Erfolge von Aly Keïta hat das Marimba-ähnliche Instrument weltweit Bekanntheit erlangt. Das Balafon wird traditionell von einem Griot gespielt. Griots erzählen die Geschichte (Geschichten auch im historischen Sinn) wie ein Dichter oder Chansonnier. Auch wenn der Balafonist Keïta die Tradition beibehält, ist es nicht sein traditionelles Speil allein, was ihn berühmt gemacht hat, sondern vielmehr seine kreative, ja sogar revolutionäre Art und Weise, dieses tausendjährige Instrument in einem modernen Kontext zu integrieren. Keïtas Afro-Pop-Repertoire ist auch in westafrikanischen Kontexten sehr beliebt. Die Dynamik seines Spiels wird häufig durch Funk-Rhythmen getrieben, so dass ein einzigartiger Afro Funk entsteht. Seine Vorliebe für komplexe Jazz-Arrangements unterscheidet ihn von der Mehrheit der Balafonisten.

Heute lebt Aly Keïta in Berlin und verbindet mit beeindruckender Virtuosität musikalische Welten.

Er wandert zwischen afrikanischer Rhythmik, Polyphonie und Elementen des Jazz und verbindet diese zu einer wunderbaren und einzigartigen Klangwelt – zwei magische Hände und Tausend und ein Schlag.

„Ich möchte meine Musik lebendig und voller Energie, voller Hoffnung und Liebe, eine Musik, die ich mit dem Publikum teilen kann und durch die dieses Publikum und ich unsere Freude teilen können.“

• Lukas Ligeti & Beta Foly, 1997
• Omar Sosa: Prietos, 2000
• Trio Ivoire, 2002
• Philippe Petit & Mr. Hyde: Back to the Beat, 2003
• Terezinha Araujo: Nos Riqueza, 2005
• Trio Ivoire: Touching Africa, 2006
• Akwaba Inisene, 2008
• Farafinko, 2010
• Trio Ivoire: Timbuktu, 2014
• Aly Keïta, Jan Galega Brönnimann, Lucas Niggli: Kalo-Yele, 2016
• Aly Keïta, Jan Galega Brönnimann, Lucas Niggli: Kalan Teban, 2020

Ali Diarra ist ein burkinischer Musiker, der in Dänemark lebt. Er wuchs in einer Familie von Griots in Bobo Dioulasso auf. Er beherrscht traditionelle Instrumente wie Balafon, N’goni und Flöte und gründete seine eigene Gruppe in Dänemark. Für ihn verbindet die Kraft der Musik Herz, Seele und Körper.

Adama Dembélé, alias Djah Barro, stammt aus Bobo-Dioulasso, einem kulturellen Zentrum Burkina Fasos, und wurde in eine Musikerfamilie hineingeboren. Schon früh lernte er Perkussion, Gesang und Bühnenpraxis von seinem Vater, einem der prägenden Percussionisten der Stadt.

Als vielseitiger Musiker, Sänger und Komponist arbeitete er mit renommierten Künstlern aus Burkina Faso zusammen und entwickelte später seine eigene Stimme im Reggae. Sein Album Free Afrique wurde 2022 veröffentlicht und bei den Marley d’Or, den Reggae-Musikpreisen Burkina Fasos, in zwei Kategorien nominiert.

Heute lebt Adama Dembélé in Deutschland und wirkt in Musik-, Tanz- und Theaterprojekten mit. In der Rituellen Tanzpädagogik bringt er seine Erfahrung in Perkussion, Gesang und Improvisation ein. Die Arbeitsweise gibt ihm Raum für eigene musikalische Kreationen und für den direkten Dialog mit Tanz, Gruppe und Ritual.

Tief berührt von den Gruppenprozessen, die Stephanie Bangoura anleitet, erkennt Adama darin die Wurzeln seiner eigenen musikalischen Herkunft wieder. In der Rituellen Tanzpädagogik erlebt er eine Wiederbelebung seiner Griot-Tradition: Musik als Begleitung, Erinnerung, Kommunikation und gemeinschaftsstiftende Kraft.

Lamine Cissokho, der virtuose Kora-Meister aus dem Senegal lebt in Schweden, von wo aus er seit vielen Jahren durch Europa tourt. Seine Alben (2023 Double Skyline, 2021 Discrimination, 2019 Sunujazz and New Continents, 2018 Kora, 2015 Sama Tilo 2011 Pakao) sowie zahlreiche Kollaborationen und Auftritte mit den Musikern, Ballake Sissoko, Ale Möller, Eric Bibb Olivier Hutman, Manish Pingle, Ian Carr, Alain Oyono, Mamadou Dembele und anderen brachten ihm internationale Erfolge. Wie zum Beispiel auf den Festival: Poborina Folk / Spain, Lagerhaus Kulturhaus / Germany, Festival Convivencia,Jazz in Marciac, International Guitar Festival Copenhague, Africajarc, Poporina Folk, Urkult, Internationales de la guitare Montpellier, Jazzit Austria, Wintertur Switzerland, International Harp Festival Scotland, Global Nights Oslo, Vasa Festival Finland etc.

Lamine stammt aus einer Griot-Familie, deren westafrikanischen Traditionen bis ins 14. Jahrhundert zurückreichen. Der in die Mandinke Traditionen eingeweihte Koraspieler bereichert dieses Erbe mit seinen eigenen Kompositionen, in denen er verschiedene Kulturen und Einflüsse einfließen lässt und so einen einzigartigen Weltmusik Stil mit Elementen aus dem Jazz schafft. Seine Arrangements schöpfen aus traditionellen und modernen Melodien, rhythmischen Stücken und werden oft durch den Einsatz von Effekten fein skaliert. Die Musik und die Bühne zu teilen, den spontanen Dialog zwischen der Kora und anderen Instrumenten zu wagen, Stile, Kulturen und Menschen einander näher zu bringen, das sind Lamines Stärken. Er verfügt über eine enorme Bühnenenergie mit einer beeindruckenden technischen Fertigkeit.

Carmelita Siwa, gebürtig aus Benin, ist eine leidenschaftliche Liebhaberin von Kunst, Tanz und Film. Mit einem BTS-Abschluss in Unternehmenskommunikation und einem Abschluss in Projektmanagement hat sie sich entschieden, ihre Leidenschaft zum Beruf zu machen. Getrieben von einem Durst nach Wissen, nimmt sie aktiv an zahlreichen Workshops in Benin, Burkina Faso, Mali, der Elfenbeinküste und dem Senegal teil, wo sie die Welt des zeitgenössischen kreativen Tanzes entdeckt hat.

Seit 2017 ist Carmelita Absolventin der Les Sables/Germaine Acogny Schule. Sie setzt ihre Ausbildung mit verschiedenen parallelen Kursen fort und nimmt an Festivals und Aufführungen teil, wo sie mit renommierten Choreografen aus der ganzen Welt zusammenarbeitet und ihre Fähigkeiten und ihre künstlerische Vision bereichert.
Als Performerin war Carmelita an choreografischen Kreationen wie “ISSEWO” von Richard Adossou (Benin), “Apres LE MIRAGE” von Marcel Gbeffa (Benin) und “DE L’AFRICANITE À L’AFROFUTURISME” von Bintou Dembélé (Französisch-Senegalesisch) beteiligt. Sie hat ihre eigene Solo-Produktion mit dem Titel “Entre être et ne pas être” kreiert, sowie Gruppenaufführungen wie “GBE MITON” (Medaillengewinner bei den Jeux de la Francophonie im August 2023) und “TOURMENT”.

“Tanz ist Leben, und das Leben besteht aus ständigen Bewegungen und Ritualen. Meiner Meinung nach steht der Tanz genauso wie die Sprache im Mittelpunkt aller spirituellen, rituellen, metaphysischen und religiösen Praktiken. Er ist das Mittel, um mit der Natur, dem Universum, den Ahnengeistern und dem höchsten Wesen zu kommunizieren. Tanz ermöglicht es, zu beschwören, zu preisen, zu verherrlichen und Erleuchtung zu erlangen.”

Mohamed Sylla ist Mitbegründer der Rituellen Tanzpädagogik und begleitet kontinuierlich musikalisch die Tanzpädagogikausbildung. In diesem Rahmen spielt Mohamed Djembe, Dunduns, Balafon und Kleinperkussion. Er ist bei den Tanzenden beliebt für seine einfühlsame musikalische Begleitung, sodass sich besonders auch die Frauen sicher und gehalten fühlen.

“Diese Arbeit mit Stephanie hat mein Leben verändert. Ich habe gelernt zu sagen und zu fühlen, was ich wirklich will. Alle merken das und respektieren mich mehr.” Mohamed wurde traditionell an der Sangban (mittleren Basstrommel) in Mandinke Rhythmen ausgebildet. Er lernte über 10 Jahre lang von seinem Meister Goumbana Konde, dem langjährigen Direktor des Nationalballetts von Guinea. Mohamed wurde als Kind in einer strengen Koran-Schule misshandelt und erkämpfte sich seine persönliche Freiheit mit der Djembe. „Es ist die Musik, die mich gerettet hat. Denn wenn ich trommele, verbrenne ich meinen Schmerz und meine Wut.“ Über seine Arbeit in der Bangoura Group sagt Mohamed: „Ich bin gern Teil der Bangoura Group, denn es gibt hier keine Konkurrenz, keinen Chef. Jeder kann etwas sagen und seine Ideen einbringen.“

Laura wuchs in Paris auf. Im Alter von 5 Jahren begann sie, moderne Jazz Kurse zu besuchen und verliebte sich dann durch ihre Leidenschaft für die Musik in die Hip-Hop-Ära der 90er und 2000er Jahre. Nach einer transformativen Erfahrung beim Tanzen im Club „L’ambassade“ in Lyon praktiziert sie vorwiegend House Dance und definiert sich als Clubber. Zwischen 2021 und 2024 absolvierte sie das Programm „Pädagogik in Hip-Hop-Tänzen“ in Cergy. Seit 2021 geht sie nach Senegal, um an Workshops der Ecole des Sables teilzunehmen und traditionelle guineische Tänze in Casamance zu praktizieren. Sie unterrichtet Kinder, Tänzer und Erwachsene mit geistiger Behinderung und formt durch ihre Erfahrungen ihre Pädagogik und Vision neu. Ihre Projekte sollen sich nun mit dieser Leidenschaft für House-Musik weiterentwickeln und weiter nach Westafrika und Brasilien reisen.

“Ritual und Spiritualität im Tanz bedeuten Momente der reinen Präsenz, des Bewusstseins und der Erhöhung, auch eine Möglichkeit, unsere Verbundenheit zueinander tiefer und anders zu erfahren.”

Schlagzeuger Oded Kafri ist ein Solokünstler, ein One-Man-Party- und YouTube-Phänomen mit über einer Million Clicks. Er hat seine Bühnen- und Straßenshows auf der ganzen Welt gemacht und spielte auf einigen der größten Festivals und in Clubs in vielen verschiedenen Regionen. Um nur ein paar zu nennen: KOKO London, Greenman Festival UK, Namm Show California, World Percussion Festival New Delhi und Earth Garden Festival Malta. Er nimmt seine Zuhörer mit auf eine nahtlose und energiegeladene Reise, auf der man tanzen und seine Fähigkeiten bewundern kann. Während dessen mischt er Styles im eitlen Stil eines DJs und gibt dem Publikum als „DJ Of The Drums“ ein Live-Musikerlebnis.

Oded begann im Alter von 10 Jahren mit dem Schlagzeugspielen im Luftschutzbunker seiner Familie in Tel Aviv Israel. Als Teenager lebte und studierte Oded Kafri Musik in Paris, Frankreich, wo er Jazz und Weltmusik als seine Richtung erkannte. 2008 begleitete Kafri den israelischen Sänger David d’Or auf seiner Welttournee, die das Womad Festival, UK und das spielen in verschiedenen Arenas beinhaltete. 2009 in London spielte er Schlagzeug für die Koby Israelite-Group. Kafris Straßenkunst gab ihm weltweite Anerkennung mit einer wachsenden Fangemeinde durch YouTube und andere soziale Medienplattformen. Im Dezember 2011 trat Kafri Beatboxer Beardyman bei seiner Brixton Electric Show bei. Ab 2012 wurde er ein Murat Diril Cymbals Endorser.

Oded Kafri ist seit über einem Jahrzehnt in seiner „Drum The World“ -Initiative unterwegs und hat starke Fanbasen in ganz Europa und Großbritannien. Oded Kafri hat drei Studioalben „Rhythm for Dancing Lessons Vol. 2“, „The Drum Machine Project“ und zuletzt mit seiner neuen Band in Hamburg die EP mit dem Titel „Drum The World“ veröffentlicht. Oded Kafri lebt in Hamburg und erzählte seine Geschichte in „TEDx Talk“. 2016 wurde er für den „Kutiman-Mix Hamburg“ ausgewählt. Er ist signierter Künstler von Off Ya Tree Records und Broken Silence Distribution. 2017 repräsentierte er die High-End Lautsprecher von Avantgarde Acoustic bei der High End Exhibition in München. Seit 2022 unterstützt Oded Tanz der Kulturen musikalisch und technisch auf seinen Strassenperformances mit SnakeAwake!

Die Perkussionistin und Feuerkünstlerin war eines der ersten Mitglieder der Bangoura Group. Seit vielen Jahren arbeitet Kirsten mit afrikanischen Musikern und Tänzern zusammen. Ihr besonderes Interesse gilt dem Dialog zwischen Tanz und Musik, zwischen neuen Instrumenten und traditionellen Klängen. Kirstin schätzt die außergewöhnliche Energie der afrikanischen Perkussion sowie den Dialog zwischen den Interpreten in seiner Unberechenbarkeit. Mit ihrem Spiel auf Cajón, Calabass, Xecere, Agogo, Djembe und Dunduns ist Kirstin und ihre Liebe zur afrikanischen Crossover-Musik eine große Bereicherung für die gesamte Gruppe.

Mit 16 Jahren entdeckte ich durch „Zufall“ afrikanische Trommelmusik, ein Erlebnis, das mich bis heute festhält. 1985 und 1986 folgten mehrmonatige Studienaufenthalte in Ghana bei der Familie Mustapha Tettey Addys‘, die sich 1991, 1996, 2009 und 2013 auf andere ghanaische Lehrer ausweiteten. 2009 -2010 Ausbildung zum staatlich anerkannten Schlagzeuglehrer mit der Note ‚sehr gut‘.

Meine Lehrer:  John Santos (San Franzisco), Martin Verdonk und Nils Fischer (Rotterdam)
Pancho Quinto und Andres Molino (Kuba) und der Schlagzeuger, Autor und Perkussionist Thomas Altmann öffneten mir den Weg in die kubanische Musik. Die religiösen Bata-Trommeln führten mich auch in die spirituelle und psychologische Wirkung afrikanisch basierter Musik ein. Ralf Steinhauer war hier eine große Hilfe.
Rhythmustherapeutische Fortbildungen in TaKeTiNa bei Reinhard Flatischler sowie 1990 mein erfolgreich abgeschlossenes Psychologie-Studium in Hamburg rundeten meine Ausbildung als ganzheitlicher „afrikanischer“ Musiker mit den Hauptinstrumenten: Congas, Kpanlogo, Djembe, Bata, Shekere, Dondon, div. Stickdrums ab.

Seit Ende der 1980er Jahre spiele ich bei afrikanischen und kubanischen Tanzworkshops und in Bands mit Alseny Camara (Guinea), Angelina Akpowo (Benin), Isaac Amissah (Ghana), Nii Kotey (Ghana) und anderen.

Auszeichnungen:
2004 „Comparsa“ (Rock und Pop-Preis in der Kategorie ‚Weltmusik’)
1999-2010 „Schräg“ (Marching-Band)
2001 Auszeichnung als Künstler des Jahres im Bereich ‚Walk Act‘

Als einer der ersten Rastas in seiner Heimatstadt Salvador in Brasilien ging Watutsi barfuß und in traditioneller afrikanischer Kleidung bekleidet in eine Kirche und verkündete: „Hier ist nicht das Haus Gottes, Gott ist überall!“ Für den Performer und Künstler Watutsi gibt es keine Trennung zwischen Musik, Tanz, Theater und Malerei; zwischen Spiritualität und Politik.

Als Alabé und Capoeira-Meister steht Watutsi in der Tradition seiner afrikanischen Vorfahr:innen. Tief verbunden mit den afro-brasilianischen Kulten der Orishas und des Candombles steht er der Rituellen Tanzpädagogik sehr nahe.

Stephanie Bangoura lernte, lebte und arbeitete mit Watutsi, als sie ihre Tanzlaufbahn begann und wie für viele andere Künstler:innen war er auch für sie eine große Inspiration, Unterstützung und Ermutigung. In Salvador gehört Watutsi zu den Pionieren der schwarzen Widerstandsbewegung. Watutsi lebt in Hamburg und gibt Tanz-, Capoeira– und Perkussionworkshops.